The Cultural Tutor @culturaltutor
Why did Claude Monet love the colour blue so much? Well, it all began with four friends and a mistake...
Το έτος είναι 1862 και τέσσερις νέοι ζωγράφοι στη Γαλλική Ακαδημία Καλών Τεχνών, οι Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley και Frédéric Bazille, συνειδητοποίησαν ότι είχαν κάτι κοινό.
Why did Claude Monet love the colour blue so much? Well, it all began with four friends and a mistake...
Το έτος είναι 1862 και τέσσερις νέοι ζωγράφοι στη Γαλλική Ακαδημία Καλών Τεχνών, οι Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley και Frédéric Bazille, συνειδητοποίησαν ότι είχαν κάτι κοινό.
Η ακαδημαϊκή ζωγραφική έγινε σε ένα στούντιο. Οι τέσσερις τους το βρήκαν παλιομοδίτικο, μη ρεαλιστικό και χωρίς έμπνευση. Το Ακαδημαϊκό στυλ φαινόταν τεχνητό (προσεκτικά ενορχηστρωμένος φωτισμός) και επινοημένος (μιμήθηκε την Αναγέννηση). Και τα θέματα - της βιβλικής και της κλασικής ιστορίας ή μυθολογίας - δεν τους ενδιέφεραν.
Άρχισαν λοιπόν να ζωγραφίζουν σε εξωτερικούς χώρους ("en plein air" στα γαλλικά) και, με επικεφαλής τον παλαιότερο καλλιτέχνη Εντουάρ Μανέ, αγκάλιασαν μια εντελώς διαφορετική μορφή ρεαλισμού. Έξω από το στούντιο, ο φωτισμός και οι ανθρώπινες φιγούρες ήταν *διαφορετικές*. Στο Μπαλκόνι του Μανέ μπορούμε να εντοπίσουμε την έναρξη αυτής της μετατόπισης.
Σύντομα ο Paul Cezanne και ο Camille Pissarro ενώθηκαν μαζί τους και ένα κίνημα γεννήθηκε.
Άρχισαν λοιπόν να ζωγραφίζουν σε εξωτερικούς χώρους ("en plein air" στα γαλλικά) και, με επικεφαλής τον παλαιότερο καλλιτέχνη Εντουάρ Μανέ, αγκάλιασαν μια εντελώς διαφορετική μορφή ρεαλισμού. Έξω από το στούντιο, ο φωτισμός και οι ανθρώπινες φιγούρες ήταν *διαφορετικές*. Στο Μπαλκόνι του Μανέ μπορούμε να εντοπίσουμε την έναρξη αυτής της μετατόπισης.
Σύντομα ο Paul Cezanne και ο Camille Pissarro ενώθηκαν μαζί τους και ένα κίνημα γεννήθηκε.
Δεν ζωγράφισαν την πραγματικότητα όπως μπορεί να την απαθανατίσει μια κάμερα, αλλά όπως την αντιλαμβάνεται το μάτι από τη μια στιγμή στην άλλη με όλη του την κίνηση, το μεταβαλλόμενο φως, τις ξαφνικές ματιές, την ομίχλη και τη θολούρα:
Και άρχισαν να συνειδητοποιούν πόσο σημαντικό ήταν το χρώμα. Ακόμη και στα πρώτα έργα του Μονέ, όπως το La Grenouillére (1869), μπορούμε να το δούμε αυτό στην πράξη. Από κοντά δεν υπάρχει «φόρμα» όπως υπήρχε στην ακαδημαϊκή ζωγραφική, αλλά από απόσταση αυτές οι πιτσιλιές χρώματος ενώνονται για να δημιουργήσουν την πραγματικότητα:
Και τότε, όπως είπε ο Ρενουάρ, «ένα πρωί, ένας από εμάς τελείωσε τα μαύρα, και ήταν η γέννηση του ιμπρεσιονισμού». Αυτό ήταν το μεγάλο άλμα: από τις μαύρες σκιές του Ακαδημαϊσμού στις μπλε σκιές του ιμπρεσιονισμού. Οι πίνακές τους είχαν ξαφνικά μια εξαιρετική φωτεινότητα και ζωντάνια:
Τελικά, καμία σκιά δεν είναι πραγματικά μαύρη. αποτελείται από ένα μείγμα τόνων και χρωμάτων. Και το μπλε είναι η απόλυτη απόχρωση του εξωτερικού χώρου, όντας το χρώμα του ουρανού και από εκεί διαπερνώντας όλα τα άλλα με τους τόνους του, ακόμα και το χιόνι. Σκεφτείτε το The Magpie του Monet και τις σκιές του:
Αλλά ο Monet θα το πήγαινε πιο μακριά από οποιονδήποτε άλλον, όχι μόνο ρίχνοντας το έργο του μέσα από έναν λεπτό φακό φυσικής μπλε φωτεινότητας, αλλά βουτώντας ασταμάτητα στον κόσμο των εναλλασσόμενων χρωμάτων και στο θεμελιώδες "μπλε" του εξωτερικού. Όπως η ομίχλη του Λονδίνου ή το Ενετικό Μεγάλο Κανάλι, ο ποταμός Σηκουάνας, ο καθεδρικός ναός της Ρουέν ή οι λεύκες της Νορμανδίας.
Μια άλλη τεχνική που υιοθέτησαν οι ιμπρεσιονιστές ήταν η χρήση φωτεινότερων καμβάδων. Κανονικά ήταν σκούρο γκρι, αλλά στο τέλος ο Monet και ο συνεργάτης τους χρησιμοποιούσαν λευκούς καμβάδες.
Όταν σκεφτόμαστε έναν ζωγράφο, μία από τις πρώτες εικόνες που μας έρχεται στο μυαλό είναι μια ατημέλητη φιγούρα που κάθεται σε εξωτερικό χώρο με ένα καβαλέτο, παλέτα και δέσμη πινέλων. Αυτό το στερεότυπο δημιουργήθηκε από τους ιμπρεσιονιστές, όπως στον συγκινητικό πίνακα του Μανέ με τον Κλοντ Μονέ στο Argenteuil:
Τώρα, είναι αυτονόητο ότι το μπλε είχε χρησιμοποιηθεί στην τέχνη πριν από τη γέννηση του Claude Monet. Οι Αρχαίοι Αιγύπτιοι το είχαν κάνει, και εμφανίζεται επίσης στη μεσαιωνική τέχνη, όπως το δίπτυχο Wilton, και ειδικά σε βιτρό.
Τον 16ο αιώνα ήταν ζωγράφοι της Ενετικής Σχολής όπως ο Τιτσιάν, περισσότερο από τους Φλωρεντίνους δασκάλους όπως ο Ραφαήλ και ο Μιχαήλ Άγγελος, που χρησιμοποιούσαν το μπλε με πραγματική ένταση. Και, μετά από αυτόν, από καλλιτέχνες του μπαρόκ όπως ο Guido Reni.
Αλλά η πιο έντονη μπλε χρωστική ουσία ήταν από καιρό η ultramarine, που παρήχθη από λάπις λάζουλι, η οποία ήταν πολύ ακριβή. Ως εκ τούτου, ζωγράφοι όπως ο Johannes Vermeer το χρησιμοποιούσαν μόνο με φειδώ, για ιδιαίτερο και ζωντανό αποτέλεσμα.
Στη συνέχεια, το 1709 εφευρέθηκε το έντονο Πρωσικό Μπλε. το 1789 ήρθε το Cerulean Blue. το 1803 Cobalt Blue. Αυτά ήταν φθηνότερα και εξίσου ζωντανά. Χάρη στην τεχνολογία, το μπλε χρώμα θα μπορούσε πλέον να απελευθερωθεί πραγματικά. (...)
Αλλά αυτή είναι η ιστορία της τέχνης. Ένα άτομο ή ομάδα καινοτομεί και ένα άλλο εκμεταλλεύεται αυτήν την καινοτομία στο μέγιστο των δυνατοτήτων της. Οι ιμπρεσιονιστές ένωσαν όλα αυτά τα θέματα, τις ιδέες, τα στυλ και - εμπνευσμένοι από τη σταθερή αντίθεσή τους στον Ακαδημαϊσμό - δημιούργησαν κάτι νέο.
Και ήταν ο Μονέ, περισσότερο από οποιονδήποτε από τους συγχρόνους του, που βυθίστηκε πλήρως στο *το* χρώμα του ιμπρεσιονισμού, το χρώμα του εξωτερικού: το μπλε. Στα πρώτα έργα του, ίσως πριν από το «λάθος» που ανέφερε ο Ρενουάρ, το μπλε του Μονέ ήταν λιγότερο χαρακτηριστικό.
Όμως, από την τελευταία του καριέρα, βρίσκουμε τον Μονέ τόσο γνωστό, τόσο αγαπητό. Το μπλε έχει κατέβει, φιλτράρεται μέσα από το χιόνι, το φως του ήλιου και την ομίχλη, και ο κόσμος έχει διαλυθεί σε χρωματικές πινελιές. Ο ιμπρεσιονισμός είχε, ίσως, βρει την υψηλότερη μορφή του.
Ταξίδεψε στο Λονδίνο και τη Βενετία, παίρνοντας μαζί του αυτό το στυλ και ζωγράφισε αυτές τις πόλεις με τρόπους που, μακριά από αυτό που θα αποτύπωνε μια φωτογραφία, φαίνεται να περιέχουν κάτι πιο αληθινό για αυτές, για το πώς *αισθάνονται* βλέποντας, την εντύπωση που αφήνουν ... Και, φυσικά, στον αγαπημένο του κήπο, όπου ο Μονέ κληροδότησε ένα καλλιτεχνικό δώρο στον κόσμο με τους διακόσιους πενήντα πίνακές του με νούφαρα.
Και εδώ είναι ο ίδιος ο Claude Monet, ένας από τους πιο δημοφιλείς διαρκώς.
Όταν σκεφτόμαστε έναν ζωγράφο, μία από τις πρώτες εικόνες που μας έρχεται στο μυαλό είναι μια ατημέλητη φιγούρα που κάθεται σε εξωτερικό χώρο με ένα καβαλέτο, παλέτα και δέσμη πινέλων. Αυτό το στερεότυπο δημιουργήθηκε από τους ιμπρεσιονιστές, όπως στον συγκινητικό πίνακα του Μανέ με τον Κλοντ Μονέ στο Argenteuil:
Τον 16ο αιώνα ήταν ζωγράφοι της Ενετικής Σχολής όπως ο Τιτσιάν, περισσότερο από τους Φλωρεντίνους δασκάλους όπως ο Ραφαήλ και ο Μιχαήλ Άγγελος, που χρησιμοποιούσαν το μπλε με πραγματική ένταση. Και, μετά από αυτόν, από καλλιτέχνες του μπαρόκ όπως ο Guido Reni.
Αλλά η πιο έντονη μπλε χρωστική ουσία ήταν από καιρό η ultramarine, που παρήχθη από λάπις λάζουλι, η οποία ήταν πολύ ακριβή. Ως εκ τούτου, ζωγράφοι όπως ο Johannes Vermeer το χρησιμοποιούσαν μόνο με φειδώ, για ιδιαίτερο και ζωντανό αποτέλεσμα.
Στη συνέχεια, το 1709 εφευρέθηκε το έντονο Πρωσικό Μπλε. το 1789 ήρθε το Cerulean Blue. το 1803 Cobalt Blue. Αυτά ήταν φθηνότερα και εξίσου ζωντανά. Χάρη στην τεχνολογία, το μπλε χρώμα θα μπορούσε πλέον να απελευθερωθεί πραγματικά. (...)
Αλλά αυτή είναι η ιστορία της τέχνης. Ένα άτομο ή ομάδα καινοτομεί και ένα άλλο εκμεταλλεύεται αυτήν την καινοτομία στο μέγιστο των δυνατοτήτων της. Οι ιμπρεσιονιστές ένωσαν όλα αυτά τα θέματα, τις ιδέες, τα στυλ και - εμπνευσμένοι από τη σταθερή αντίθεσή τους στον Ακαδημαϊσμό - δημιούργησαν κάτι νέο.
Και ήταν ο Μονέ, περισσότερο από οποιονδήποτε από τους συγχρόνους του, που βυθίστηκε πλήρως στο *το* χρώμα του ιμπρεσιονισμού, το χρώμα του εξωτερικού: το μπλε. Στα πρώτα έργα του, ίσως πριν από το «λάθος» που ανέφερε ο Ρενουάρ, το μπλε του Μονέ ήταν λιγότερο χαρακτηριστικό.
Όμως, από την τελευταία του καριέρα, βρίσκουμε τον Μονέ τόσο γνωστό, τόσο αγαπητό. Το μπλε έχει κατέβει, φιλτράρεται μέσα από το χιόνι, το φως του ήλιου και την ομίχλη, και ο κόσμος έχει διαλυθεί σε χρωματικές πινελιές. Ο ιμπρεσιονισμός είχε, ίσως, βρει την υψηλότερη μορφή του.
Ταξίδεψε στο Λονδίνο και τη Βενετία, παίρνοντας μαζί του αυτό το στυλ και ζωγράφισε αυτές τις πόλεις με τρόπους που, μακριά από αυτό που θα αποτύπωνε μια φωτογραφία, φαίνεται να περιέχουν κάτι πιο αληθινό για αυτές, για το πώς *αισθάνονται* βλέποντας, την εντύπωση που αφήνουν ... Και, φυσικά, στον αγαπημένο του κήπο, όπου ο Μονέ κληροδότησε ένα καλλιτεχνικό δώρο στον κόσμο με τους διακόσιους πενήντα πίνακές του με νούφαρα.
Και εδώ είναι ο ίδιος ο Claude Monet, ένας από τους πιο δημοφιλείς διαρκώς.
Πηγή: The Cultural Tutor @culturaltutor
(Μετάφραση από Google)
Ακολουθεί το πρωτότυπο κείμενο από τις αντίστoιχες αναρτήσεις στο twitter:
The Cultural Tutor @culturaltutor
Why did Claude Monet love the colour blue so much? Well, it all began with four friends and a mistake...
The year is 1862, and four young painters at the French Academy of Fine Arts called Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, and Frédéric Bazille, realised they had something in common. Academic painting all took place in a studio, much like this:
The four of them found it old-fashioned, unrealistic, and uninspiring. The Academic style seemed artificial (carefully orchestrated lighting) and contrived (it imitated the Renaissance). And the themes - of Biblical and Classical history or mythology - didn't interest them.
So they starting painting outdoors ("en plein air" in French) and, led by the older artist Edouard Manet, embraced a wholly different form of realism. Outside the studio, lighting and human figures were *different*. In Manet's Balcony we can detect the start of this shift:
Soon enough Paul Cezanne and Camille Pissarro joined them, and a movement was born. They didn't paint reality as a camera might capture it, but as the eye perceives it from one moment to the next with all its movement, changing light, sudden glimpses, fog, and blur:
(photo).
And they started to realise just how important colour was. Even in Monet's early works, like La Grenouillére (1869), we can see this in action. Up close there is no "form" as there was in Academic painting, but from a distance those splashes of colour unite to create reality:
(photo).
And then, as Renoir said, “one morning, one of us ran out of black, and it was the birth of Impressionism.” This was the big leap: from the black shadows of Academicism to the blue shadows of Impressionism. Their paintings suddenly had an extraordinary brightness and vividity:
After all, no shadow is truly black; it comprises a mixture of tones and colours. And blue is the ultimate shade of the outdoors, being the colour of the sky and from there permeating everything else with its tones, even snow. Consider Monet's The Magpie and its shadows:
(photo).
But Monet would take this further than anybody else, not only casting his work through a subtle lens of natural blue brightness, but diving headlong into the world of shifting colours and into the fundamental "blueness" of the outdoors. Like the London fog, say:
Or the Venetian Grand Canal, the river Seine, the cathedral of Rouen, or the poplars of Normandy. Another technique the Impressionists adopted was the use of brighter canvasses. Normally they were dark grey, but by the end Monet and co were using white canvasses.
When we think of a painter, one of the first images that comes to mind is a scruffy looking figure sitting outdoors with an easel, palette, and bundle of brushes. That stereotype was created by the Impressionists, as in Manet's touching painting of Claude Monet at Argenteuil:
(photo).
Now, it goes without saying that blue had been used in art before the birth of Claude Monet. The Ancient Egyptians had done so, and it also crops up in Medieval art, like the Wilton Diptych, and especially in stained glass.
In the 16th century it was painters of the Venetian School like Titian, more so than the Florentine masters like Raphael and Michelangelo, who used blue with real intensity. And, after him, by Baroque artists like Guido Reni.
But the most intense blue pigment had long been ultramarine, produced from lapis lazuli, which was very expensive. Hence painters like Johannes Vermeer only used it sparingly, for particular and vivid effect.
Then, in 1709 the intense Prussian Blue was invented; in 1789 came Cerulean Blue; in 1803 Cobalt Blue. These were cheaper and equally as vivid. Thanks to technology, the colour blue could now be truly unleashed. (...)
But that's the story of art. One person or group innovates, and another takes that innovation to its fullest potential. The Impressionists united all these themes, ideas, styles, and - inspired by their firm opposition to Academicism - created something new.
And it was Monet, more than any of his contemporaries, who fully immerged himself in *the* colour of Impressionism, the colour of the outdoors: blue. In his early works, perhaps before the "mistake" Renoir mentioned, Monet's blue was less characteristic.
But, by his late career, we find the Monet so well-known, so well-loved. Blueness has descended, filtered through snow and sunlight and haze, and the world has splintered into brush-strokes of colour. Impressionism had, perhaps, found its highest form.
He travelled to London and Venice, taking that style with him, and painted those cities in ways that, far from what a photograph would capture, seem to contain something truer about them, about how they *feel* to see, the impression they leave... And, of course, in his beloved garden, where Monet bequeathed an artistic gift to the world with his two hundred and fifty paintings of water-lilies.
And here is Claude Monet himself, one of the most enduringly popular painters of our time, photographed with the bridge and pond made famous by his work, and, as he surely so loved, en plein air...
(photo).
Source: twitter.com/culturaltutor
When we think of a painter, one of the first images that comes to mind is a scruffy looking figure sitting outdoors with an easel, palette, and bundle of brushes. That stereotype was created by the Impressionists, as in Manet's touching painting of Claude Monet at Argenteuil:
(photo).
Now, it goes without saying that blue had been used in art before the birth of Claude Monet. The Ancient Egyptians had done so, and it also crops up in Medieval art, like the Wilton Diptych, and especially in stained glass.
In the 16th century it was painters of the Venetian School like Titian, more so than the Florentine masters like Raphael and Michelangelo, who used blue with real intensity. And, after him, by Baroque artists like Guido Reni.
But the most intense blue pigment had long been ultramarine, produced from lapis lazuli, which was very expensive. Hence painters like Johannes Vermeer only used it sparingly, for particular and vivid effect.
Then, in 1709 the intense Prussian Blue was invented; in 1789 came Cerulean Blue; in 1803 Cobalt Blue. These were cheaper and equally as vivid. Thanks to technology, the colour blue could now be truly unleashed. (...)
But that's the story of art. One person or group innovates, and another takes that innovation to its fullest potential. The Impressionists united all these themes, ideas, styles, and - inspired by their firm opposition to Academicism - created something new.
And it was Monet, more than any of his contemporaries, who fully immerged himself in *the* colour of Impressionism, the colour of the outdoors: blue. In his early works, perhaps before the "mistake" Renoir mentioned, Monet's blue was less characteristic.
But, by his late career, we find the Monet so well-known, so well-loved. Blueness has descended, filtered through snow and sunlight and haze, and the world has splintered into brush-strokes of colour. Impressionism had, perhaps, found its highest form.
He travelled to London and Venice, taking that style with him, and painted those cities in ways that, far from what a photograph would capture, seem to contain something truer about them, about how they *feel* to see, the impression they leave... And, of course, in his beloved garden, where Monet bequeathed an artistic gift to the world with his two hundred and fifty paintings of water-lilies.
And here is Claude Monet himself, one of the most enduringly popular painters of our time, photographed with the bridge and pond made famous by his work, and, as he surely so loved, en plein air...
(photo).
Source: twitter.com/culturaltutor
Δεν υπάρχουν σχόλια:
Δημοσίευση σχολίου